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viernes, 29 de abril de 2011

Bibliografía

-Arquitectura y pintura modernista:
http://www.arteespana.com/arquitecturamodernista.htm
http://www.gaudiallgaudi.com/EA001.htm
http://enciclopedia.us.es/index.php/Arquitectura_modernista
-Casa Milá:
http://www.urbipedia.org/index.php/Casa_Mil%C3%A0
http://www.gaudidesigner.com/es/casa-mila-ceramiques.html
-Secesión Vienesa:
http://es.wikipedia.org/wiki/Secesi%C3%B3n_de_Viena
http://www.artehistoria.jcyl.es/genios/estilos/93.htm
http://yoamolahistoria.blogspot.com/2010/01/la-secesion-vienesa.html
-Autores más relevantes del modernismo:
http://es.wikipedia.org/wiki/Antoni_Gaud%C3%AD
http://www.gaudiclub.com/esp/e_vida/e_menu.html
http://www.gaudiallgaudi.com/EA100.htm
http://www.soloarquitectura.com/arquitectos/victor_horta.html
http://es.wikipedia.org/wiki/Victor_Horta
-El Beso:
http://www.artehistoria.jcyl.es/genios/cuadros/12246.htm
http://es.wikipedia.org/wiki/El_beso_(Gustav_Klimt)
-La escultura modernista:
http://www.arteespana.com/esculturamodernista.htm
http://enciclopedia.us.es/index.php/Pintura_y_escultura_modernista

-También hemos utilizado información del libro de sociales de 4ºESO.

Comentario de pintura: El beso (Klimt)

El autor de esta obra es el austríaco Gustav Klimt . El título de la obra es "El Beso". Esta obra fue realizada entre 1907 y 1908. Gracias a los soportes y dimensiones descubrimos que se trata de un óleo sobre lienzo de 180 x 180 centímetros. Esta obra está conservada y expuesta en la Österreichische Galerie Belvedere de Viena.
Refleja un retrato de una pareja  que se abraza ante un reducido prado repleto de florecillas, siendo difícil interpretar si están arrodillados o de pie. Ese prado finaliza de forma brusca, como si el pintor quisiera situar a los amantes al borde del precipicio. . El ceñido vestido nos presenta claramente las formas femeninas, dejando ver piernas, hombros y brazos, sujetándose la joven con los dedos de los pies para evitar el precipicio. Su cabeza presenta una escorzada postura, inclinada hacia atrás y vuelta de lado, mirando hacia la perspectiva del espectador a pesar de sus ojos cerrados. El hombre también presenta una escorzada postura, sujetando con sus manos la cabeza de la amada, dejando ver sólo la cabeza coronada de flores. Buena parte de los especialistas dicen que se trata de una escena protagonizada por el propio Klimt y su buena amiga Emile Flöge. Quizá el elemento más extraño sea el precipicio, símbolo de peligro al que podía dirigirse la relación, por lo que la mujer se aferra con sus pies a la pradera. El gesto de la mujer también ha sido interpretado como rechazo ante la agresión al que la somete el hombre.
 Es un retrato de Gustav Klimt con su amiga Emile Flöge abrazándose y dándose un beso. La técnica utilizada es el óleo. La pareja se enmarca también con una aureola dorada, vistiendo ambas figuras de ese color, adornadas sus vestimentas con rectángulos negros y grises el hombre y círculos de colores el de la mujer.




Los colores que resaltan en la obra son cálidos,en contraposición con el fondo, donde predominan los tonos ocres. El color dorado enmarca a los personajes principales de la obra, haciéndolos resaltar del resto de la composición.La utilización de la luz en la obra sirve para resaltar la parte central del cuadro con unos colores muy vivos y con mucha luz, como es el caso del dorado. La presencia de luz destaca por su ausencia en el fondo.
impio, puro, claro y bien definido; y delicado porque es fino, suave y tierno.  Utiliza modernas líneas del simbiolismo, siempre sostenido con un trazo elegante en el que aparecen mujeres de morbosa fascinación.
 Prevalece una línea quebrada e irreal. El dibujo es neto porque es l
Caracteres del estilo:
-Se responde al deseo de superar el academicismo e Impresionismo.
-Temas de contenido simbólico-conceptual.
-Insistencia en la línea y en el dibujo muy expresivo.
-Es una pintura de carácter lineal y suave
-Formatos alargados y apasiados.
-Se recrea en el tema de la mujer, la perversión y el erotismo.
-Excesivo decorativismo, que pueda adelantar la abstracción.
-La línea independiente que avanza hacia el Expresionismo posterior.
Klimt es un pintor austriaco. Fue la figura más representativa del modernismo pictórico (Jugendstil) en el mundo de habla alemana. Se formó en la escuela de artes aplicadas de su ciudad natal y triunfó como autor de grandes pinturas decorativas en un estilo de corte academicista, del que constituyen un buen exponente las pinturas de la escalera del Museo de Historia del Arte de Viena. (Viena, 1862 - id., 1918)
El beso es una obra del pintor austríaco Gustav Klimt y probablemente su obra más conocida. Es un óleo sobre lienzo de 180 x 180 centímetros, realizado entre 1907-08.
Esta obra, que sigue los cánones del Simbolismo, es una tela con decoraciones y mosaicos y fondo dorado.
Esta obra se completa con la del friso de Klimt en el comedor del palacio Stoclet de Bruselas, en el que la metamorfosis de la pareja se consuma y nace un nuevo laurel. Esta perspectiva, apoyada en la literatura, da un sentido a esta obra de Klimt en un contexto iconográfico, no sólo metafórico, de la historia del arte.
Las figuras de los amantes están representadas ante un fondo dorado que enlaza con los iconos bizantinos y rusos. La pareja se abraza ante un reducido prado repleto de florecillas, siendo difícil interpretar si están arrodillados o de pie. Ese prado finaliza de forma brusca, como si el pintor quisiera situar a los amantes al borde del precipicio (interpretados por Schorske como un símbolo fálico)

Las funciones y el significado de la obra se ve claramente, ya que Klimt tiene un arte culto y a la vez turbador que expresa de forma soberbia la decadencia de un mundo, de una época, de unos artistas, de unos escritores…que fueron testigos de la carnicería de una guerra que estalló en 1914.
En esta obra Klimt consiguió concretar la búsqueda de la relación entre figura y fondo y crear la irrepetible atmósfera del abandono de los sentidos.
Alrededor de los dos amantes se entreteje un panel de exuberancia. Los enamorados están como encerrados en capullo de oro del que apenas escapan las cabezas y las manos. Representó las ropas de los dos amantes rigurosamente bidimensionales, como libres inserciones decorativas, llenas de valor simbólico. En la capa del hombre alternan manchas rectangulares blancas y negras, sobre fondo dorado y el forro de la capa, tras la figura femenina, está decorado con motivos en espiral que resaltan el sentido rotatorio del brazo que rodea a la figura femenina.
No falta la interpretación simbólica: el prado salpicado de flores se interrumpe bruscamente y los pies de la chica quedan en el borde del terreno, mientras el fondo dorado da a entender la presencia del abismo.
Klimt ofreció una versión romántica de un gesto que durante milenios había mantenido el mismo valor, pero con una efusividad quizás fuera del tiempo. Este artista confiere al beso, la poesía y la dulzura. Cuando no trabaja para un cliente, Klimt deja de lado toda reserva y da rienda suelta a su creatividad. Sus mujeres aparecen entonces peligrosas e intuitivas. Se presentan a la vez seductoras y como elemento de perdición, mujeres fatales que son fuente de vida pero cuya presencia va asociada a la muerte. Las pinta en todas sus posiciones, incluso las más osadas, vestidas y desnudas, solas o en grupo. Representa frecuentemente el amor lésbico. El hombre apenas aparece, y si lo hace es sólo como accesorio para realzar la presencia de la mujer. Gracias a sus retratos de mujeres disfrutará de independencia económica. Serán imágenes suaves, de tonos claros y fondos neutros donde hace uso de las técnicas impresionistas. Las mujeres aparecen apacibles, ensimismadas, con mirada melancólica o ausente. Éste es el artista inofensivo apreciado en Viena (Emilie Flöge)
Las visiones de Klimt están llenas de vida, y al mismo tiempo, la muerte, los ciclos vitales de la humanidad y el significado de la vida son una obsesión que reflejará en multitud de obras, como el Beso.
Una de las obras antecedentes más importantes es Esperanza I (1903) en la que el erotismo emana de la mujer embarazada. Su impúdico bello rojo y la prominente barriga son símbolo de penetración. Rodean la imagen alegorías de dolor y muerte y las edades de la vida.

“El Beso” fue la última obra realizada por Klimt y la que mejor expresa su forma de pintar. 

domingo, 24 de abril de 2011

Secesión Vienesa

La Secesión Vienesa, también conodia como Secessionsstil o Sezessionnsstil, fue parte del gran movimiento Secesionista, ahora englobado en el Art Noveau (Modernismo).Este periodo fue el más deslumbrante que vivió el país, con muchísima producción artística, apoyo económico y expansión por el resto de Europa.
El movimiento austríaco se definía por la seriedad formal, la severidad y la elegancia, todo muy geometrizado y equilibrado, teniendo como objetivo el llamado Gesamtkunstwerk o “obra de arte total”, término inventado por Richard Wagner refiriéndose a un arte que aunara a todas las demás. Era un arte estilizado y muy abstracto, el cual también daba mucha importancia a la tipografía.
Fue formada el 3 de abril de 1897 por un grupo de 19 artistas vieneses, incluyendo a Gustav Klimt, Koloman Moser, Josef Hoffmann, Joseph Maria Olbrich y Max Kurzweil entre otros. Pertenecían a la Vereinigung Bildender Künstler Österreich (Asociación de artistas de las artes visuales de Austria) y buscaban el regreso a las formas y estilos del pasado, ya que la era industrial estaba llegando a Europa y temían que el arte se “industrializara”.
La Secesión se rebelaba contra el conservadurismo de la Viena Künstlerhaus que tenía una clara orientación hacia el Historicismo. El grupo se interesaba sobre todo en explorar las posibilidades del arte fuera de un contexto académico tradicional. Querían crear un nuevo estilo sin ningún vínculo o influencia con la historia.
A diferencia de otros movimientos, no existe un estilo que unifique el trabajo de los secesionistas vieneses. El edificio principal de exhibiciones, construido en 1898 por Joseph Maria Olbrich, podría ser considerado el ícono del movimiento.
En la misma línea que otros movimientos contemporáneos europeos, la Secesión peleó contra
  la pérdida de la calidad artística debido a la falta de innovación y por la libertad creativa de los trabajos artísticos individuales.

Viena fue la sede de este movimiento y, como no podía ser de otra manera, el lugar escogido para las exposiciones de sus artistas se construyó ahí. En la calle Friedrichstrasse, línea U4 de metro, estación Karlsplatz, está el edificio más bonito de toda la cuidad y el que da nombre a este post. El llamado Pabellón de la Secesión de Viena o directamente “Secession”fue construido en 1897 por Joseph Maria Olbrich para albergar las exposiciones del grupo de la Secesión. El ayuntamiento donó el solar de forma gratuita y la construcción la pagaron los artistas que formaban el grupo. Construyeron una cúpula dorada, hecha de bronce dorado en forma de hojas secas, llamada popularmente por los vieneses como Krauthappel (“repollo” en español)Y bajo esta cúpula, también en letras doradas, se lee: Der Zeit ihre Kunst, der Kunst ihre Freiheit (A cada tiempo su arte, a cada arte su libertad).

 









En el interior del edificio, Klimt, el fundador del grupo, pintó el famoso Friso de Beethoven en 1902, el cual es la exposición permanente del pabellón, en la planta baja.


Con motivo del centenario de su construcción, en 1998 los responsables de la Secession decidieron pintarla de rojo de una manera descuidada. Durante un par de meses, la Secession tuvo este aspecto tan original. Hubieron muchos detractores, pero también muchos fans de este nuevo aspecto.


En las pinturas de la Secesión, tal y como se lo proponían, se aprecia una ruptura con lo clásico, casi provocativo.Uno de los temas recurrentes es la mujer y el erotismo, cosa que escandalizaba a la sociedad clásica de la época. En cuadros como Nuda Veritas de Klimt (pintado en 1898) puede verse una provocante y expresiva desnudez. Es más, el pelo púbico es casi una declaración de guerra al ideal clásico.


En 1905, Klimt y sus amigos abandonan la Secesión (debido a problemas internos) y fundan los “Talleres de Viena”, donde se incorporan grandes pintores como Egon Schiele. Claro que los Talleres han continuado con el espíritu secesionista



En 1918 murieron Egon Schiele, Otto Wagner, Ferdinand Hodler, Koloman Moser y Gustav Klimt (Todos miembros fundadores de la Secesión,excepción Schiele)


Peter Behrens





jueves, 21 de abril de 2011

Otros pintores modernistas

JOSÉ MARÍA SERT Y BADÍA:Nació en Barcelona en 1874 en una familia de la alta burguesía, su padre era un importante fabricante de tapices. Es un artista muy singular, ya que sus concepciones pictóricas difieren tanto de las de los modernistas como de las de de los miembros de su generación.
Estudió en la Escuela de Artes y Oficios de la Lonja y formó parte del círculo artístico de Sant Lluc. En 1899 se traslada a París, donde reside casi sin interrupciones el resto de su vida .La principal tarea artística que desarrolló Sert fue la decoración mural. La trató de forma solemne, grandilocuente, con un estilo que revela la influencia de Tiépolo y Goya y acusa, a veces, un excesivo barroquismo.
Sus modelos fueron Tintoretto (Venecia) y Rubens (Bélgica).



Pinturas:
-La primera obra de envergadura de Sert es la decoración del Salón de Pasos Perdidos de Justicia de Barcelona, en 1903. Realizó esta obra mediante grandes lienzos pintados al óleo y adheridos al muro. En estas pinturas monumentales, Sert aparece fuertemente determinado por influjos italianos, ya que las figuras derivan de Miguel Ángel y el colorido cálido veneciano.



-En 1910 ejecuta la decoración del palacio del marqués de Alella de Barcelona, que representa una serie de escenas sobre la danza del amor, enmarcadas por columnas clásicas. La composición se inscribe ya dentro de la gran tradición barroca.


-El lienzo más simbólico es el llamado Sacudiendo el ciruelo. Esta pintura recuerda al Goya de los cartones para tapices por lo grotesco, el dinamismo y el decorativismo abigarrado. Es la única escena natural de este salón artificioso.


-Durante la guerra civil sus pinturas de la Seo de Vic fueron quemadas, y tras la guerra, se dedicó casi por completo a esta obra, pero no rehizo la destruida, sino que la concibió de nuevo.


Finalmente murió poco después en Barcelona en noviembre de 1945


SANTIAGO RUSIÑOL: Intelectual español conocido no sólo por sus magníficas obras de arte sino también por sus escritos y la participación en los círculos modernistas del siglo XIX, animados por las expectativas que Cataluña presentaba tanto en el ámbito económico como en el cultural y el social.
Las obras de Rusiñol encuentran elementos o influencias impresionistas, prerrafaelistas e incluso simbolistas.
Es un pintor que comienza siendo realista, que pasa por el impresionismo de tonalidades frías y encuadramientos insólitos hasta que, en 1894 viaja a Italia, hablando ya de un Rusiñol simbolista muy cercano al prerrafaelismo. En los últimos años viaja a Granada a partir de lo cual el hombre desaparece de su pintura y en su lugar aparece una naturaleza artificial: la pintura de jardines.




Pinturas:
Decide realizar un viaje en carro por Cataluña de donde salen una serie de obras de ambiente rural y costumbrista además del amor que Santiago anunciaría por el Mediterráneo especialmente por Sitges que años más tarde sería el escenario de su propio museo. De sus visitas saldrían una serie de obras con paisajes sencillos y bello cromatismo como ocurre en Vista de ValdemosaLa Costa o Patio Azul donde la luz es la verdadera protagonista de la composición. 
-Patio Azul:

-Rusiñol y Casas pintando, lienzo realizando en 1890


La segunda etapa de su vida en la ciudad francesa marcará un nuevo sentido en su obra a partir de la cual adopta elementos simbolistas donde incluye la figura femenina con un aire triste, melancólico. Obras: La Morfinómana y Cabezas de anarquistas.
-La morfinómana


Santiago visitó Italia en el año 1894 donde obtiene definitivamente esa influencia simbolista presente en alguna de sus obras como la colección de tres cuadros llamados La PoesíaLa Pintura y La Música, del año 1895.
-La Música

Cuando viajo a Granada, Sevilla y Aranjuez pintó cuadros como Almendros en flor y muralla verde
-Almendros en flor


miércoles, 20 de abril de 2011

Pintura modernista



Los pintores de la época dieron la bienvenida al Modernismo de la misma manera que arquitectos y escultores, como un movimiento que liberaba el tratamiento de las formas en contraposición a la interior rigidez academicista. La libertad de expresión se puede ver tanto en las amables escenas burguesas de Ramón Casas como en las duras figuras marginales de Nonell.
El Modernismo pictórico presenta una gran variedad y riqueza de temas, esta es la razón por la que algunos especialistas prefieren   hablar de "Pintura de periodo modernista" en  vez de "Pintura Modernista". 
Sin embargo, algunos pintores como Rusiñol, Ramón Casas, Meifrén, Mir, Utrillo, Lluïsa Vidal y otros son considerados a veces como los estrictos representantes del Modernismo. Otros como los hermanos Masriera representan, bajo este punto de vista, una tendencia más tradicional- más cerca del academicismo, pero como un refinamiento del realismo no basado en normas clásicas- dentro del Modernismo                          

Características generales de la pintura modernista:
-Se responde al deseo de superar el academicismo e Impresionismo.
-Abandono de lo cotidiano en por de temas de contenido simbólico-conceptual.
-Insistencia en la línea y en el dibujo muy expresivo.
-Es una pintura de carácter lineal y bidimensional.
-Formas orgánicas.
-Formatos alargados y apasiados.
-Se recrea en el tema de la mujer, la perversión y el erotismo.
-Excesivo decorativismo, que pueda adelantar la abstracción.
-La línea independiente que avanza hacia el Expresionismo posterior.
-Adquieren gran importancia las ilustraciones gráficas, el cartel y la litografía.
Los pintores modernistas más importantes son:
-Ramón Casas:Nació en Barcelona en 1866. Era hijo de una familia acomodada, por lo que desde muy joven pudo dedicarse a la pintura y asistir a la academia de Joan Vicens. En 1881, a los dieciséis años de edad, colaboró en la fundación de la revista L'Avenç. Ese mismo año, también fue a París a estudiar con Carolus Duran.
Tras completar su formación en Barcelona, se aloja en el Moulin de la Galette y en Montmatre (París)
Los trabajos de Ramón en esta época son interiores modestos, patios, plazas, jardines del barrio de Montmatre con el Moulin de la Galette al fondo, retratos, figuras femeninas y cafés. Predominan los grises y las tonalidades frías, con un empaste ligero, casi transparente.
Pinturas:



Plean air es un atardecer gris. Aparece representada una mujer joven, sentada en la mesa de un café al aire libre, que vuelve su cabeza para mirar a un caballero. Al fondo se ve el barrio de Montmatre y el molino.











Garrote Vil:Se trata de la ejecución de Aniceto Peinador, un joven de diecinueve años. Casas describe con objetividad la ejecución, no se centra en ningún protagonista en concreto, ni siquiera el reo. El punto de vista elevado es el de un testigo, que permite que el espectador pasee su vista como podría hacerlo un testigo presencial.









La carga muestra a un Guardia Civil cargando contra la multitud. Más tarde renombró esta como Barcelona 1902 en referencia a una huelga general ocurrida en Barcelona en esas fechas.




-Gustav Klimt: Nació el 4 de Julio de 1862 en Viena. A los catorce años ingresa en la Escuela de Artes Aplicadas de Viena junto con su hermano Ernst y con Franz Mastch, con quienes formará una asociación, la Compañia de Artistas. El trío tendrá tanto éxito en Viena que recibirán numerosos encargos relacionados sobre todo con la decoración de edificios arquitectónicos.
Sus primeras obras están muy influenciadas por Hans Makart, artista academicista de la época. Su estilo es muy barroco y toma de Makart el rechazo a los espacios vacíos, el horror vacui, que le hace llenar los fondos de sus cuadros hasta rebosar.
Su primer encargo fue las cuatro alegorías del Palacio Sturany, en Viena, y las pinturas de cielo raso en el balneario de Carlsbad.
Klimt fue presidente de la Secesión vienesa, asociación creada en 1897 por artistas de vanguardia.
Pinturas: 

Filosofía debía expresar el triunfo de la luz del intelecto humano sobre las tinieblas. En su lugar el artista presenta la "victoria de las tinieblas sobre todo lo demás". Klimt buscaba resolver la incógnita metafísica de la existencia humana y el desconcierto del hombre moderno. Se divide su obra en tres partes: a la izquierda, un grupo de personas que simbolizan la evolución de la vida, a la derecha, la esfera del mundo como acertijo del universo y abajo, una figura iluminadora que representa el saber. Provocó un escándalo entre los catedráticos. 







La medicina presenta la corriente de la vida que arrastra consigo los cadáveres arrebatados por el destino. 
Tienen lugar todas las fases vitales, desde el nacimiento hasta la muerte. Esta visión, en vez de celebrar la capacidad de curación de la medicina, recalca su impotencia
 ante las fuerzas indominables del destino. Además, Hygieia, la diosa de la salud aparece dando la espalda a la humanidad. 











La Jurisprudencia tuvo una acogida similar. El cuadro presenta a un condenado, un anciano desnudo degradado físicamente y en posición de culpabilidad, rodeado por la Verdad, la Justicia y la Ley, que han sido representadas como tres mujeres fatales desnudas y con serpientes.










Harto de censuras y como respuesta a la crítica, pinta un cuadro que en principio titula A mis críticos y que más tardes llamó Peces dorados. Entre unas féminas desnudas con clara actitud sexual, aparece en primer plano una náyade risueña que muestra su culo al espectador. La cólera es general y Klimt nunca más recibirá un encargo público




El beso es una imagen de amor espiritual e idealizado. Aparece un apareja abrazada que encarna la felicidad erótica imperturbable. Los modelos son el propio Klimt y su amiga Emile Flöge. Ambos cuerpos forman una masa dorada, con ornamentos cuadrados para el hombre y curvilíneos para la mujer. El beso ofrece una imagen contradictoria de sus mujeres, esta vez la mujer se entrega al hombre, que es un ser activo, es el que lleva la fuerza y da el beso, mientras la mujer, afronta esto con pasividad





















Escultura modernista

El Modernismo como movimiento artístico representaba la libertad, la posibilidad de desarrollar cualquier forma, en contraste con el academicismo anterior. La escultura no fue una excepción.
La escultura es muy frecuente encontrarla integrada en los edificios como un arte decorativo y el grado de implicación es nuevo. Muchos escultores colaborarán con los arquitectos, algunos de forma anónima.
También habrá escultores que desarrollen su actividad de forma independiente, libres de los compromisos arquitectónicos.La escultura modernista es marcadamente sensual, mezcla realismo y simbolismo, pretende trascender la anécdota que el naturalismo había puesto en primer plano, y por ello, mirará hacia el simbolismo.
Curiosamente, la escultura modernista no está muy desarrollada, en realidad se trata de un uso de la escultura simbolista en los edificios modernistas.
La eclosión de la escultura modernista se produce con Josep Llimona, Miquel Blay, Enric Clarasó y Eusebi Arnau, todos ellos influidos por Auguste Rodin, cuyo simbolismo se manifestó a través de la figura femenina de un marcado idealismo, capaz de despertar un sentimiento o una emoción.


Escultoras modernistas más importantes:
Agapit y Venanci Vallmitjana: El taller de los hermanos Agapit y Venanci Vallmitjana estuvo en el origen de la escuela escultórica del Modernismo catalán. Ambos inician juntos su carrera y buena parte de su trabajo es realizado en colaboración, por lo que a veces resulta difícil atribuir una obra a uno u otro. Sin embargo, en la obra de Venanci se aprecia un mayor gusto por la espectacularidad y en la de Agapit una mayor perfección formal.

Escultura:
Agapit realizó Cristo en la Cruz, El ángel de la guarda, la fachada del monasterio de Monserrat, El cazador de leones y El comercio, estas dos últimas en el Parque de la Ciudadela de Barcelona.
El cazador de leones:




De su hermano son Evangelistas, San Jordi, Nacimiento de Venus, Alfonso X El Sabio y Musa de la Música en el Gran Teatro del Liceu.

La agricultura:

El Camino al Calvario:


-Joseph Llimona i Bruguera: Llimona se formó en la Escuela de la Lonja y en el taller de los hermanos Agapit y Venanci Vallmitjana. Sus primeras realizaciones son todavía académicas, nos muestran una serie de personajes típicos e históricos del país, como la estatua de Ramón Berenguer el Grande y La Modestia.
Mas tarde, su estilo derivó hacia el modernismo simbolista, con influencias de Rodin y Meumier. Le gusta la materia definitiva, labra el mármol con su propia mano, huye de lo complicado, del realismo minucioso y del efectismo pictórico.


-Esculturas:



En Desconsuelo transmite a través de un desnudo femenino sentimientos de melancolía y tristeza. La figura de rodillas, con la cabeza caída y ocultando con el pelo su rostro refleja el estado de abatimiento. Se aprecia un delicado modelado del desnudo y el suave cuerpo juvenil contrasta con la áspera dureza de la piedra sobre la que la muchacha se apoya. La hermosa figura femenina surge del bloque de mármol.



En Juventud (1913), hará un planteamiento similar de la imagen femenina, llena de sensibilidad y sensualidad.



La ternura y la fuerza viril las combinará en obras como El estudiante y el Monumento al Doctor Robert
-Monumento al Doctor Robert:

Ha sido considerado uno de los mejores representantes de la escultura modernista catalana.


-Enric Clarasó: Sus circunstancias personales le llevaron a cultivar paralelamente dos caminos artísticos diferentes. Uno, centrado en obras de carácter naturalista y de temática anecdótica al gusto del público convencional. Otro, que le vinculó al simbolismo inspirado en Rodin, por el que ha sido considerado uno de los escultores catalanes más destacados del Modernismo.

-Escultura:




Eva:La figura femenina, desnuda, muestra una actitud de pasividad y abandono doblándose sobre sí misma sobre una roca a medio devastar. Eva oculta el rostro con el cabello, escondiéndose de la mirada divina, consciente de su pecado.








-Eusebi Arnau: Evolucionó hacia un modernismo simbolista. Desarrolló su actividad colaborando con arquitectos y en especial con Doménech i Montaner. Realizó Las Medallas conmemorativas del descubrimiento de América (1982), las figuras para el escenario del Palau de la Música Catalana (1907) o el Friso de la Casa de la Lactancia (1910).


-Miguel Blay: Su carácter modernista residía en la capacidad de representar la verdad de las figuras, su vida angustiosa y el sufrimiento humano.


Esculturas:


Los tiempos fríos nos transmite la sensación del frío del viejo y la niña que se encuentran desnudos. Introduce los elementos propios del modernismo como el esfumado de la cara de la niña, donde vemos la influencia de Rodin. La verdadera fuerza de esta obra reside en la capacidad de transformar una escena de ternura conmovedora en una representación idealizada del sufrimiento humano.





Persiguiendo la ilusión es otra de sus obras más destacadas.